Emilio Giossi

 

Emilio Giossi è un artista dell'elegia pittorica; ovvero del racconto figurale che sceglie di far proprio l'incanto, e visita i luoghi della pittura come stati d'animo della pienezza interiore raggiunta. Si direbbe che attraverso il narrato figurale egli voglia ricondurre la realtà delle cose, delle parvenze, delle epifanie, delle forme, alla misura del cielo. Quindi del colore nella sua sede più certa ed assoluta. Giossi infatti introduce la propria sensibilità intimistica in un territorio abitualmente affidato alla grazia e alle cure dell'immateriale; prerogativa, questa, che fa ricorso quasi sempre ai sortilegi dell'avventura cromatica. E' vero, c'è nella sua pittura il luogo e il paesaggio, ma, sia esso un bosco o un'allegoria sospesa, ciò che maggiormente lo sostanzia come immagine è il suo rivelarsi evento dell'emozione.

Il disegno delle figure è così affidato a una linea colore che svolgendosi sullo spazio della tela circoscrive e afferma l'immagine ma nel contempo segue e si perde lungo un orizzonte incommensurabile dove le cose, le forme, i luoghi si mostrano sia per quello che sono sia perchè determinano un tuono cromatico che svela l'insondabile alchimia della percezione.

E' comprensibile che in questo senso Giossi abbia prediletto dichiaratamente un maestro quale Chagall, difficilmente rubricabile nelle poetiche del Novecento. E ne abbia scrutato iconologicamente la pittura come esempio ulteriore di una misura del cielo. Come abitante del cielo.

Condividendone infine il colloquio saturnino tra la luce e il mondo; un mondo evidentemente irreale e miracoloso, che si serve ancora degli avanzi della mitologia. Eppure più di Chagall ciò che sembra serpeggiare oltre il cominciamento espressivo di Giossi nella sua educazione allo sguardo e all'estasi è certamente un'altra figura complessa e sfuggente, ossia l'ombra di Tancredi.

Anche Tancredi credeva al colore e, come Giossi adesso, ne faceva strumento di meraviglie inquiete. Ora bizantine ora francesi, di quella Francia che tiene ancora a mente Barbizon, l'Estaque, Aix e ogni altro riverbero fiammeggiante di terra inondata di meraviglie vegetali.

Tuttavia, anche ritrovando la terra, Giossi non sembra rinunciare a questa spinta aerea, all'immateriale, appunto.

Sono sempre fatti di cielo i suoi incantevoli paesaggi, mostrano una vibrante pasta di cielo. Un cielo venuto a perdersi tra le foglie degli alberi; cielo struggente che dice di se stesso: io sono la tavolozza del mondo. La catena genetico poetica che salda e mette al mondo le epifanie pittoriche di Giossi si riassume ancora nei nomi di Tiziano, di Rothko, di Cézanne; e si tratta di una acquisizione profonda, distante dalla mimesi stilistica, bensì prossima alla acquisizione sostanziale di questi.

In ogni caso Giossi non rinuncia al canto pieno dell'espressione, anzi sembra ricollegarsi alla tradizione della pittura come stato d'animo, come luogo che lo sguardo abita, come utopia dell'armonia (non a caso suona anche il flicorno sgranato di Franz Marc) e intanto si tiene distante dall'indistinto fisiognomico dell'informale. Ne resta fuori perché gli è caro il rapporto con lo spazio concreto dell'apparenza che afferma l'orizzonte e la perdita delle cose nei suoi punti di fuga. Proprio la scelta privilegiata come motivo ricorrente (come fa Cezanne col monte St. Victoire) gli consente di intervenire e scandagliare cosmologicamente la pittura. E intanto il colore diviene una trappola per lo sguardo. Ma c'è un altro dato per nulla irrilevante che occorre affermare di fronte a questa sua scelta, è l'assoluta valenza di contemporaneità che Giossi riesce ad imprimere a quelle immagini che facilmente potrebbero precipitare nella sensazione del passato, del dopo storia, al contrario nella sua visione le cose millenarie della natura sembrano liberarsi dalla stratificazione cui il tempo ormai incalcolabile della cultura pittorica le ha consegnate.

Giossi sembra possedere la grazia di chi dipinge il primo paesaggio, il paesaggio appena scoperto e custodito ancora dalla meraviglia dello sguardo.

Così, al di là d'ogni manierismo e d'ogni postilla che le ultime stagioni hanno imposto all'avventura senza tempo del racconto pittorico.

 

Fulvio Abbate

Roma ,maggio 199O

 

In EXPERIMENTA ONLINE MAGAZIN FUR LITERATUR UND KREATIVES SCHREIBEN

Edizioni speciali sulle mostre " Gesto dell'anima" e " Il Giorno e la Notte"

EMILIO GIOSSI

 

 

VISIONI DELL’OLTRE

 

RITMICHE DEL GESTO

 

All’origine del suo percorso creativo, Emilio Giossi interpreta le morfologie della figura in senso fantastico, attraverso mutevoli sovrapposizioni del colore, moti espansivi che si propagano nello spazio come luogo di rivelazione interiore. Nel corso degli anni Ottanta e Novanta la scrittura del corpo è affidata al respiro vitalistico delle forme, alle dinamiche impulsive del gesto, variazioni del ritmo spaziale e intonazioni sensibili del colore, orientamenti legati alla trasformazione delle tensioni figurali.

 

Intorno all’espressività allusiva del corpo umano verte il movimento di ogni opera, il fulcro strutturale della figura persiste anche quando svanisce l’aspetto riconoscibile dell’immagine favorendo l’azione formante del colore, protagonista di ogni evento immaginativo.

 

Le atmosfere che Giossi esplora durante tutte le fasi di ricerca costituiscono un’esperienza esemplare per chi intende la pittura come interrogazione del colore-luce, disvelamento di pensieri nascosti nell’inconscio, sguardi che gravitano nell’invisibile attraverso le forme corporee del visibile.

 

In questo viaggio intuitivo tra realtà terrestre e mondo immaginativo l’artista si muove amplificando l’orizzonte della visualità con il pensiero rivolto alla poesia, alla musica e alla danza, discipline creative congeniali alla sua formazione culturale, caratterizzata dall’esigenza di creare corrispondenze tra le arti, sottili connessioni tra linguaggi consonanti.

  Il gesto cromatico entra in sintonia con i movimenti corporei, oscilla tra accelerazioni improvvise e rallentamenti riflessivi, dinamiche ambivalenti che consentono di svelare nuove spazialità attraverso colori che dilatano il confine delle forme, generano energia vitale sviluppando linee euritmiche e luminose purezze, elementi protesi oltre i perimetri della superficie.

 Queste relazioni sinestetiche convergono sempre verso la dimensione fluente del colore, esso stesso corpo e soggetto predominante, sfera della pienezza dell’essere, orizzonte estraneo ai dogmi della razionalità.

 Il trattamento fluido della materia determina il continuo generarsi dell’immagine, il gesto creativo si stacca dal dovere della rappresentazione per determinare insorgenze visive che affiorano dal profondo, aprendo varchi possibili verso uno spazio senza tempo.

 In una raccolta poetica di Giossi (La rosa invisibile, 1997) i versi si addentrano nell’ombra dei pensieri, le apparizioni aleggiano come schegge lucenti, la memoria emana brividi e vertigini spaziali, lo sguardo danza tra la terra e il cielo, le fluenze del colore captano parvenze spettrali e celestiali. L’immaginazione del poeta vola in sintonia con quella del pittore, entrambi fissano punti dispersi nell’infinito, entrambi desiderano dar voce a visioni ineffabili, mondi inafferrabili dove il ritmo dei versi e la struttura formante delle immagini si inseguono reciprocamente, in tese armonie con il vuoto.

 Per queste ragioni, bisogna predisporsi alla lettura delle opere senza preclusioni, in modo da poter seguire i “gesti dell’anima” nella fluidità fantasmatica che il colore genera plasmando la materia gravida di luce.

 La posizione defilata di Giossi nei confronti del sistema delle arti ha permesso di approfondire la ricerca e il possesso del colore senza subire i richiami accattivanti delle tendenze predominati negli ultimi decenni.

 Del resto, la pittura – di qualunque orientamento essa sia- ha un destino diverso rispetto alle ipotesi cosiddette innovative dell’attualità, soprattutto quelle affermatesi nel segno delle tecnologie più o meno virtuali.

 Quello della pittura è oggi un territorio riservato a chi ama indagare ciò che si annida nelle ombre del visibile, nei palpiti della memoria interiore, nella visione di abissi impalpabili, sfiorando spazi senza nome, soglie sospese, percepibili solo accettando il rischio di disorientarsi nell’inconoscibile.

 Di questo azzardo deve farsi carico ogni artista che voglia misurarsi non solo con il tempo storico, ma con le potenzialità intuitive che lo mettono in rapporto con il tempo cosmico, dimora di attitudini inventive che le vibrazioni del colore sono in grado di incarnare come fonte di spaesamento.

 Ciò avviene soprattutto quando il pittore non teme di esprimere ciò che affiora inavvertitamente dal cuore della materia, persino da quel senso disperato della visione che nasce davanti allo spazio vuoto, dominato dal pensiero dell’immensità, dalla dimensione del mistero.

 Se i pittori della sua generazione si muovono su opposti versanti di ricerca, dalla fabulazione narrativa all’azzeramento aniconico, nel caso di Giossi l’identità creativa è legata al referente figurale, legame persistente che si amplifica nei sentori dell’astratto, e questo avviene in special modo quando il dato iconografico si vaporizza nella pura pulsazione cromatica.

 Dunque, dopo aver messo la figura al centro del proprio mondo, il nostro pittore si è avviato verso una stagione creativa pervasa da accadimenti perturbanti, dall’ansia di ascoltare non solo la voce dell’anima ma l’eco dei suoi abissi, lontano da plausibili certezze (“mimesi di corpi d’anima in tumulto”) per rivolgersi al canto del colore nel fervore del suo apparire.

 L’immagine dipinta è suscitata dall’evento della sua genesi formativa, è forma della materia che si mostra nel divenire dell’impulso creativo, restituendo allo spettatore il senso della continua mutazione, fervida metamorfosi del pensiero che alza lo sguardo oltre i confini del visibile.

 

 L’IMMAGINE VELATA

 

Anche se Giossi ama evocare iconografie antiche e classiche, temi sacri e citazioni mitologiche (dall’arte greca al Rinascimento, dal Manierismo fino al Simbolismo), nel corso del suo evolversi si confronta con la dimensione sospesa del presente, si apre al dialogo con la realtà dell’esistenza per inoltrarsi verso la visione del colore nella pienezza della sua forza poetica.

 E’ come se ogni referente immaginifico (L’urlo, Il bacio, la Pietà) fosse tramite di uno sguardo che non si concede mai completamente, preso dallo sgomento di un'altra dimensione, dall’impossibilità di comprendere presenze indicibili che solo il linguaggio dell’arte può rivelare.

 Emblematica è l’attenzione dedicata all’immagine velata, alla natura diafana del colore che attenua l’identità corporea per rivelare il contrasto tra l’espansione della forma e il silenzio enigmatico dello spazio circostante.

 Ogni opera costituisce un passaggio verso l’oltre che riverbera di luce fantasmatica, le immagini penetrano negli occhi come luoghi che sprigionano refoli d’aria, vortici di fuoco, gorghi d’acqua, vuoti d’ombra, e altre apparizioni che sollecitano continui risvegli immaginativi.

 Per cogliere le vertigini percettive che s’avvertono osservando le movenze della pittura, bisogna lasciarsi andare ai movimenti abbaglianti dello spazio, ai contorni indistinti delle forme, atmosfere fondamentali per captare ciò che affiora dall’epidermide del colore, nel lieve trasparire delle velature.

 Esse sono la memoria nascosta del corpo che si separa da sé stesso, si stacca dalla propria impronta per rivelare una diversa pregnanza della forma, tramutando l’identità della figura nella visione del suo nascondimento: essendo il corpo e il suo fantasma due momenti congiunti e inseparabili.

 Stupore e meraviglia accompagnano la lieve opacità di cui si nutre il gesto pittorico in preda alle metamorfosi corporee, moti dell’animo e fatue apparizioni che creano sconfinamenti nell’altrove smisurato.

 Per queste ragioni è necessario seguire gli slanci del ritmo pittorico, la loro capacità di alterare e persino deformare i nuclei figurali, sollecitando gli impulsi del profondo, le sonorità luminose nascoste nelle fibre del colore, le movenze sfuggenti che svelano l’energia che dà forma al loro manifestarsi.

 Il fatto è che in pittura ogni tensione conoscitiva deve sempre essere calata nella verità della materia, nell’ebrezza del suo trasfigurarsi, questione che esige precise procedure tecniche ma non comporta la certezza del loro esito.

 L’immagine del “tempio” è evocata da Giossi come dimora simbolica di pensieri rivolti alla divinità, luogo che accoglie i rituali del culto, ma la sua forma canonica diventa spazio velato che tramuta lo schema architettonico in una soglia immersa nell’atmosfera indistinta del colore-luce. La struttura compositiva è totalmente decostruita e reinventata dall’emozione del rosso, le colonne si intravvedono appena, l’accesso al tempio si scorge da lontano, sparse tracce emergono dal fondo della materia, euritmia e armonia regolano la forma con microtoni di un solo colore, elegia del monocromo.

 Se diverse opere sono intitolate semplicemente “immagine”, ciò è dovuto al fatto che Giossi tende talvolta all’essenziale, rinuncia al titolo referenziale facendo prevalere la forza tautologica del colore, colore che genera spazio e in esso trova la ragione del suo destino: quello di essere “vocis imago”.

 Nel corso dei cicli pittorici affrontati come transiti intorno alla luce, i livelli di permutazione del colore sono molteplici: il giallo esplode e s’irradia tutt’intorno; nelle trame del bianco si liberano tracce annerite in cerca di equilibrio; nel blu convergono riverberi celestiali e squarci luminosi; dalle cangianze violacee nascono figure che somigliano a fiori gialli dalle movenze carnali. L’idea di figura continua ad essere forma plastico-cromatica, azione corporea, immagine in atto, verità del fare pittura come esperienza del non conoscibile. Il peso immaginativo della figura tende a superare i suoi stessi confini, si muove mentre appare, si rilascia e si ricostituisce come fiamma propulsiva oppure come alito lieve e trasparente.

 

La mente è sempre alle prese con il superamento dei propri limiti, la declinazione delle passioni umane non è mai trascurabile, lo sguardo è in allarme quando deve misurare opposte tensioni del nucleo espressivo.

 

Pensare l’immagine e dipingerla diventa tutt’uno, significa fissare apparizioni sospese sul filo dell’indicibile, vibrazioni interiori, ambivalenze percettive, significati latenti, momenti balenanti in vista del possibile.

 

C’è sempre un margine di differenza tra il pensare la forma e il tradurla nell’energia cromatica che determina il suo avverarsi, si tratta di un’esperienza non meccanica ma carica di pulsioni istantanee, elementi non quantificabili ma rispondenti agli umori sottocutanei del soggetto materico. Il colore è dunque forma attiva, essenza immaginativa sempre sul punto di svelare altri aspetti della sua identità, in quanto fare pittura è per Giossi inventare la forma dei pensieri, porsi in ascolto dei ritmi mentali e delle scosse emozionali che coinvolgono l’immagine nel modo più profondo.

 

La pittura è sempre in attesa di nuove mutazioni, epifanie e magie che avvengono per bagliori e cangianze, ma il desiderio più forte è di svelare le forme inaccessibili alla vista: questa è l’ambizione dell’artista che immagina il color porpora della terra congiunto al fondo silente del cielo.

 

Ogni opera è in tal senso irripetibile, legata a modalità che Giossi va esplorando con tempi di esecuzione legati alle alchimie imponderabili del colore-luce, soprattutto alle impronte del pensiero disseminate nella mappa dei sogni lunari, delle danze cosmiche, delle chimere desideranti che sanno donare un senso allo sguardo che le insegue, con ostinazione.

 

 

 

SULLE ALI DELL’INVISIBILE

 “Tendi l’orecchio all’angelo annunciante”, così recita un altro verso proposto da Giossi, un’immagine che sembra illuminare il significato delle opere dedicate al dialogo con l’angelo, invocazione vissuta attraverso il lieve trasmutare del suo esoterico apparire nello spazio della memoria.

 Il primato della trasfigurazione spinge il soggetto evocato a varcare la soglia del mito per proiettarsi oltre il presente, in uno spazio-tempo dove lo scudo atavico della tradizione si frantuma e si dissemina sull’orlo dei significati possibili, senza prospettive risolutive, in uno stato di continua verifica dell’equilibrio instabile tra radici culturali e richiami interiori.

 Giossi assume la figura dell’angelo come un soffio che sparge luce tutt’intorno, palpita sulle ali del colore vagando senza sosta tra movimenti obliqui che seguono i sentieri dell’anima, emozioni che spingono la mente al di là del linguaggio, mostrando direzioni divergenti.

 Non è un discorso allegorico quello che l’artista intende fare assumendo l’immagine angelica come sublimazione del gesto espressivo, è piuttosto un’invocazione del gesto esistenziale che nutre le creature del sogno ideale.

 La mitografia dell’angelo è un emblema della condizione creativa, la personificazione di una fede interiore che considera la funzione dell’arte come illuminazione dei segreti orizzonti che conducono verso l’agognato altrove. L’angelo diventa per Giossi un autoritratto trasfigurato nella dimensione assoluta dell’universo, emanazione di raggi luminosi dispersi nella dimora delle stelle, figura che sovrasta il mondo prendendo distanza dai suoi affanni e dalle sue peripezie. L’angelo è un simbolo che unisce terra e cielo, una metafora sospesa tra ciò che si conosce e la parte che rimane nascosta, ogni sua apparizione annuncia qualcosa di imprevedibile, la presenza e l’assenza congiunti nella prospettiva di cangianti mutazioni.

 La pittura lascia tracce impalpabili del suo passaggio, aliti sfuggenti che ricordano l’ascesa e la discesa, il vicino e il lontano, l’elemento formante e quello disgregante, il nutrimento e la dissoluzione (Alma mundi).

 Se gli esseri terreni guardano in alto aspirando all’infinito, l’angelo riluce di umano sentire e sempre più si avvicina alla fragilità dell’uomo, in questo scambio di posizioni la mitologia della forma primigenia rimane il punto di riferimento costante per l’avventura di Giossi nei miraggi del colore.

 La pittura vola nell’incanto dello spazio angelico, si fa slancio carico di passione, si inonda di afflati luminosi, è ignara del suo destino, attraversa spazi immensi per volgersi alle zone remote della psiche, le sue ali accolgono vortici di pensieri avvolgenti e non sono mai esauste di cercare nuove immagini ai confini di ogni limite.

 L’artista-angelo sta sempre sulla soglia del visibile, in attesa di immagini che scaturiscono dalla libera immaginazione, ma è una speranza che non ha certezze, gioca con le frenesie del colore istante per istante, augurandosi che qualcosa si risvegli durante le fasi del procedimento creativo.

 La personificazione delle immagini sollecita lo spettatore a sognare spazi ad occhi aperti, l’Angelo di fuoco divora lo spazio al massimo grado della sua tensione conflittuale, l’Arcangelo si ammanta di luce nel bagliore del giallo, mentre innominabili presenze invadono con ardore lo schermo del visibile. L’Annunciazione è dipinta con analoghi colori e si carica dei medesimi spasimi immaginativi, è un evento cromatico che aleggia nello spazio con l’aggiunta di lembi violacei che insinuano segni d’inquietudine.

 L’immagine canonica della Vergine spaventata dall’apparizione dell’angelo diventa uno sciame di colore levitante, mentre nella Resurrezione il tema iconografico si trasforma in un’apparizione stralunata dove i nuclei figurali sono inghiottiti in un’atmosfera violacea di spiritata luminosità.

 La pittura sa diventare anche preghiera, raccoglimento ascetico, prolungata meditazione intorno al senso della vita, riflessione interiore che aspira a trasformare gli elementi primari (terra aria acqua fuoco) in sostanze che trasformano il loro respiro primordiale in nuovi stati del visibile.

 Anche su questo versante, Giossi si comporta come un pittore visionario impegnato a incarnare colori sublimi con i “gesti dell’anima”, atti quotidiani completamente assorbiti dal pensiero dominante della pittura.

 In tal senso, egli interpreta in modo non devozionale immagini di diversa tensione trasfigurante (Attesa Estasi Incarnazione), e lo fa elaborando effluvi di materia che intendono rigenerare il colore come strumento di accrescimento

e perfezionamento dell’essere.

 Nell’icona della “madonna”, l’artista prosegue la sua ricerca di congiunzioni di forze contrapposte, le morfologie si chiudono in sè stesse, quasi per custodire la purezza spirituale nelle trasparenze interne della forma, manto luminoso che avvolge il soggetto sacro portandolo al di là del suo stesso vincolo iconografico. La vera sacralità sta per Giossi nel mistero della volontà creativa, desiderio di affrontare l’enigma della luce di cui si nutre il corpo in relazione con lo spazio dell’ombra, sfondo da cui si staccano i gesti che offrono allo sguardo un al di là dello sguardo stesso.

 Nelle immagini più radicali si avverte la presenza dell’uomo nel vivo della sua inquietudine esistenziale, in tensione con sé stesso, alla ricerca di valori essenziali, spirituali, soprattutto laici, pensieri dell’ignoto, sintesi tra istinto creativo primario e consapevolezza critica dei propri limiti conoscitivi.

 

 

 

SGUARDI OLTRE MISURA

 

Nelle “misure del cielo” vediamo svilupparsi la dualità della luce e dell’ombra attraverso tensioni dinamiche che esprimono il divenire perenne del colore, infinito mutamento delle creature immaginate da Giossi come messaggi corporei dal volto fuggente, processi irripetibili della materia.

 Nella composizione di queste opere si avverte che la struttura dell’immagine presuppone uno svuotamento originario, uno stato virginale e una condizione d’assenza che prelude il configurarsi dell’atto pittorico.

 L’artista dipinge parvenze sospese intorno alle quali gravitano zone circoscritte di colore, l’intenzione è di amplificare la loro risonanza fino a congiungerla con l’ampiezza virtuale del cielo. Le inquadrature dello spazio si basano sull’azione reciproca di tre dimensioni cromatiche che danno carattere all’immagine, momenti che l’artista definisce come valori strutturanti in senso dinamico, atmosferico e formativo: un processo che non ammette la pratica del disegno né in senso progettuale né come intuizione segnica che precede l’atto pittorico.

 E’ l’esperienza diretta del colore che disvela le vie del sentire, che produce la forma senza mediazioni razionali, che dà carattere allo spazio come dimora che accoglie le forze del pensiero creativo. In questo clima di riferimenti l’immagine si fa mistero, enigma poetico, sprofondamento, ma soprattutto volontà non necessariamente costruttiva. Giossi è anzi interessato alla sua funzione distruttiva, a un tipo di energia intenzionale che non corrisponde a un preciso progetto ma esplora le possibilità dell’oltre, là dove non v’è alcuna certezza conoscitiva.

 Ci sono opere dove più forte è la percezione dell’attimo non come immediatezza esecutiva ma istante esistenziale che si sottrae a tutto il resto per concentrarsi unicamente sul fare pittura, sperimentando fino in fondo quelle tensioni non ancora compiutamente espresse, ma che saranno tali.

 Le figure di Giossi sono animate dallo stupore e dallo spaesamento, tutto ciò che avviene sulla superficie è sempre in gioco, anche se nel corso del tempo si è determinato uno stile pittorico, un modo di operare e di provocare la materia, che risponde a caratteristiche persistenti: primarietà del gesto, luminosità del colore di fondo, alternanza tra movenze fluide e zone dense e compatte, strutturazione entro un equilibrato schermo frontale.

 L’uso di perimetri che racchiudono ogni superficie dipinta risponde all’esigenza di creare partizioni interne e -nello stesso tempo- di scandire la sequenza delle opere come fossero organismi autonomi, inquadrature di morfologie mutanti, ideali nuclei dove le s-figurazioni incarnano i differenti stati immaginativi sottratti a qualunque utopia narrativa.

 In tal senso, in ogni opera avvengono audacie cromatiche animate da tensioni chiaroscurali e fusioni di luce che nascono dalla veggenza della materia pittorica, vera conduttrice di uno sguardo che si muove oltre le coordinate strutturali dell’immagine.

 La luce ardente del rosso dialoga con la profondità insondabile della notte, lo spargimento del giallo inonda la dimensione del giorno trasfigurata nell’abbagliante estensione del cielo, come se la pittura fosse sempre al primo atto della propria origine.

 Il colore del cielo può essere un intenso blu o un tono violaceo, talvolta è un suono dilatato nel rosso o una breve stesura annerita d’angoscia, d’altro lato può avere la sensualità del colore arancio che evoca aromi di natura.

 In diverse opere persiste la struttura bipartita che prevede due zone cromatiche distinte, un nucleo figurale circoscritto che è collocato solitamente in basso rispetto alla fascia monocromatica dell’orizzonte, con conseguente contrapposizione luminosa tra un riquadro e l’altro.

 Esistono composizioni dove il peso dell’immagine è bilanciato dalla misura del cielo, l’impressione è che il pittore intenda contrapporre al fluire del colore una zona di silente meditazione, una campitura soffusa ma compatta che evoca l’emanazione inesauribile della luce.

 A tal proposito viene in mente una riflessione di Mark Rothko, uno degli artisti più amati da Giossi, una dichiarazione penetrante, dove si legge: “Tuttavia la singola figura non è in grado, con un movimento delle membra, di suggerire la propria angoscia per la consapevolezza della morte e l’insaziabile sete di vita che a essa si contrappone. E neppure è possibile vincere la solitudine. (…) Non credo che sia mai stata questione di essere figurativi o astratti. Piuttosto si tratta di porre fine a questo silenzio e a questa solitudine, di dilatare il petto e tornare a respirare”.

 Avviene in Giossi una completa adesione allo spazio che s’interpone tra corpo e corpo, corpo dell’artista che col gesto cerca luce nella tenebra e corpo del colore generato dalla materia che abita la superficie.

 Il problema è di rendere attiva l’influenza dell’inconscio attraverso il dominio del gesto che fissa con immediatezza le movenze del corpo, le sviluppa e le mostra senza perdere energia nel corso del suo evento.

 In tal senso, si avverte che in ogni opera s’impone uno sguardo oltre misura, un impulso che registra il respiro della materia in relazione al fluire del gesto pittorico. Così ogni spostamento, ogni deformazione e scatto metamorfico restituisce sia la concentrazione psicofisica dell’artista sia la possibilità di liberarsi dagli automatismi esecutivi per raggiungere un nuovo stato di vitalità cromatica.

 

 

 

LA LUCE DELLE TENEBRE

 

Nella pittura di Giossi non v’è mai separazione della luce dalla tenebra, la visione mutevole prevale sull’esigenza di strutturazione, il fluire dei pigmenti sulla tela ruvida esprime la qualità creaturale delle sostanze fisiche e psichiche che partecipano alla dimensione visionaria del colore.

 Opere di profonda immersione nella luce delle tenebre sono quelle pervase dalle magie dell’ombra, dense macchie corporee abitano lo spazio, mentre riverberi d’oscurità si annidano nel fondo del visibile.

 Per evocare la notte Giossi inventa parvenze stregate, forme indistinte che appaiono nell’attimo in cui sono inghiottite dal nero; per trasfigurare il peso dei corpi si affida alle incandescenze del rosso; d’altro lato, per rendere con

differente fluidità i bagliori del giorno si affida ai palpiti del bianco, esplorando il senso luminoso dell’anima

attraverso l’incanto dell’ombra.

 D’altro lato, le gradazioni dell’indaco e del viola producono sensazioni estatiche, la luce fluisce nel velo delle apparizioni inspiegabili, il divenire morfologico della figura è simile un manto dalle pieghe mutevoli, dove si intravedono linee corporee che fluttuano e si diramano nello spazio.

 Il colloquio con le potenzialità fantasmatiche dell’immagine si svolge passando dall’interno all’esterno, è la spinta del pensiero in lotta con territori sconosciuti. Espressività gestuale e azione stratificata della materia sono traccia e prolungamento del sentire, fusione tra la manipolazione fisica dei pigmenti e il controllo razionale delle vibrazioni occulte.

 Il senso della nascita e della morte accompagna il tempo che fugge nel pulviscolo delle tenebre, nella polvere cinerea che avvolge i movimenti incorporei delle figure. La loro identità inesplicabile non può essere mai detta se non attraverso la forza rivelatrice del dipingere, trama del colore che annotta e si fa prossimo alla luce, al deliquio dei suoi palpiti.

 Si tratta di lasciar affiorare le forme del corpo come ombre della mente e -nello stesso tempo- suggerire che sono destinate a sprofondare nella cavità delle tenebre che le accoglie, con effetti che non è mai possibile precisare, tutto sfugge a una precisa determinazione.

 Per queste ragioni dipingere significa per Giossi andare incontro a immagini che provengono dalle zone remote dell’ombra come atmosfere alterne di illusione e disillusione, vero principio vitale per la conoscenza del dubbio. Dubitare è infatti la probabile certezza della pittura che inseguire nelle tenebre forme immaginarie destinate a sprofondare dentro sé stesse, fino quasi a regredire per poter andare avanti, sulla soglia visionaria del colore.

 L’interesse per il corpo non viene mai meno anche nei casi in cui il pittore sfiora la materia e la tratta con scabra essenzialità, lasciando spazio soltanto a campiture dilatate e atmosfere evanescenti, pause funzionali all’esigenza di staccarsi ogni tanto dai fluidi scivolamenti del gesto. Ecco allora che l’immagine si dilata e diventa solenne, talvolta anche sontuosa, come un quieto respiro che attende una nuova rivelazione, una diversa trasmutazione cromatica portata al culmine della tensione immaginativa.

 Uno dei caratteri dominanti è il campo atmosferico del rosso, esso s’irradia impadronendosi dello spazio in modo sfavillante, eccitazione sensoriale e gioia dell’animo, piacere di conoscere i ritmi energetici dell’universo intero.

 Le indicazioni iconografiche non limitano la ricerca della luce, anzi per certi versi rafforza il carattere simbolico dei colori, il dualismo del giorno e della notte, i canti solari e le arpe lunari, flussi senza tregua della memoria.

 Analoga energia cromatica si avverte nel guizzo verde della mantide che divora gli equilibri della mente, oppure nel virgulto di qualcosa che sta per nascere, nel gesto che prelude a nuove forme di vita, o ancora nell’urlo che squarcia il velo del cosmo celeste. Si tratta quasi sempre di opere che evocano la vita dei sensi attraverso l’istinto primordiale del colore, fiamma che arde all’interno di ogni immagine, qualunque sia il tramite di ogni apparizione, dalle trasparenze celestiali agli oscuri presagi del futuro.

 Giossi ha dipinto anche opere dal forte impatto chiaroscurale, raddoppiando la luce per atmosfere dove il senso dell’occultamento si congiunge con il disvelamento, misteriosa identità del colore che si sottrae a un preciso significato per abbracciarli tutti, conoscenza mistica del mondo.

 D’altro lato, la visione torna a sprofondare nella penombra, negli infiniti stati di attesa della luce che emerge bianca e silente nello spazio surreale di forze sconosciute, come una traccia sottile che sembra un sibilo nel vuoto.

 Il riferimento alla “sibilla cumana” di Michelangelo non è che un ulteriore tramite con la storia dell’arte antica, fonte di seduzione che Giossi coltiva parallelamente alla lettura di Dante e dei classici, tramiti per cogliere le risonanze liriche e spirituali della sua visione del mondo.

 Si tratta di componenti letterari che infondono energia al linguaggio della pittura, alle variazioni timbrico-tonali del colore che oscilla tra le brevi e le ampie superfici affrontando i grandi interrogativi intorno alla natura misteriosa e atemporale dell’immagine.

 Per questa ragione, il percorso espositivo delle opere scelte per questa mostra presso la Casa del Mantegna si sviluppa con un andamento corale che accompagna le figure in una sequenza che rinnova il processo di metamorfosi del colore, al di là di ogni teoria che pretende di circoscrivere i singoli nuclei pittorici trascurando i rimandi e le connessioni formali.

 In quanto, la ricerca si dirama senza limiti temporali seguendo la danza e il suono delle forme attraverso la vita del colore, sostanza di ogni ideazione, fulcro generativo di tutte le avventure dello sguardo.

 Di conseguenza, l’esposizione non segue strettamente il filo cronologico ma procede per accostamenti di opere anche distanti per esecuzione, aderendo a un’esigenza che Giossi sente sopra ogni altro metodo, la necessità di seguire la sua natura di pittore in cerca di immagini consonanti e senza tempo, luminose tensioni spirituali come spazi pervasi da smisurate risonanze.

 

 

 

Claudio Cerritelli